Wrecking Ball

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Wrecking Ball entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Mitte der Neunziger ist Emmylou Harris eine Legende, und genau das ist ihr Problem. Sie hat mit Gram Parsons gesungen, mit Dolly Parton und Linda Ronstadt das meistverkaufte Album ihrer Laufbahn gemacht, sie hat einen Schrank voller Grammys. Aber in Nashville bestimmen jetzt jüngere Stars den Ton, und das Country-Radio spielt ihre Lieder nicht mehr. Ihr Album Cowgirl's Prayer von 1993 war von der Kritik gelobt worden und trotzdem kaum gelaufen.

Harris hat das später ohne Bitterkeit erzählt. Nach all der Mühe ihrer Plattenfirma sei klar gewesen, dass das Country-Radio kein Interesse mehr an ihr hatte: „Ich war zu alt, oder was auch immer.“ Sie war 48.

Zwei Platten als Kompass

In dieser Lage hörte sie zwei Alben immer wieder. Das eine war Bob Dylans Oh Mercy von 1989, das andere Acadie, das erste eigene Album des Kanadiers Daniel Lanois aus demselben Jahr. Beide hatte Lanois produziert. Harris gefiel, wie er Folk und elektronische Klänge zusammenbrachte, ohne dass das eine das andere erdrückte.

Sie trafen sich in Nashville. Harris spielte ihm Lieder vor, die sie singen wollte. Lanois hörte zu und sagte, so hat sie es erzählt: „Lass uns eine Platte machen.“ Ein Satz, mehr nicht. Aus ihm wurde die Platte, die ihr zweites Leben als Künstlerin begründet hat.

02Wie Wrecking Ball entstand

Daniel Lanois war damals der Mann für einen ganz bestimmten Klang. Mit Brian Eno hatte er U2s The Joshua Tree produziert, mit Peter Gabriel So, und für Dylans Oh Mercy hatte er in New Orleans ein mobiles Studio aufgebaut. Eine Country-Sängerin hatte er noch nie aufgenommen.

Die Arbeit begann in den Woodland Studios in Nashville, eher als Aufwärmen. Das eigentliche Album entstand in Kingsway, Lanois' Studio in New Orleans: ein altes viktorianisches Haus, in dem die Geräte nicht fest eingebaut waren, sondern dort standen, wo sie gerade gebraucht wurden. Ein paar Aufnahmen kamen noch in den Natoma Studios in San Francisco dazu. Der Toningenieur war Mark Howard, an Keyboards, Gitarre und fast allem anderen spielte Malcolm Burn, der auch die Mischung machte.

Keine Trennwände

Harris hat die Sitzungen später so beschrieben: „Es gab keine Trennung zwischen den Leuten.“ Keine Kabinen, keine Musiker, die nacheinander ihre Spuren einspielen. Man saß im selben Raum und spielte das Lied, bis es stimmte. Sie habe sich als Sängerin dadurch neu angeregt gefühlt. Wie die Platte am Ende klingen würde, wusste vorher keiner der beiden.

Die Besetzung ist ungewöhnlich. Larry Mullen Jr., der Schlagzeuger von U2, spielt unter anderem auf „Goodbye“ und „Every Grain of Sand“. Brian Blade, eigentlich ein Jazzschlagzeuger, trommelt auf dem ersten Stück. Tony Hall, Bassist aus New Orleans, und Daryl Johnson geben dem Ganzen den Boden. Dazu kommen Gäste: Neil Young singt auf seinem eigenen Titelstück die zweite Stimme, Steve Earle und Lucinda Williams greifen zur akustischen Gitarre, Kate und Anna McGarrigle singen Harmonien.

Lanois' Bruder Bob filmte die Sitzungen. Aus dem Material wurde der Film Building the Wrecking Ball, der 2014 der Neuauflage beilag. Das Album selbst erschien am 26. September 1995.

03Der Klang

Wer Emmylou Harris von ihren Platten der Siebziger kennt, erwartet Pedal Steel, Fiddle, eine glasklare Stimme vor einer glasklaren Band. Auf Wrecking Ball ist davon fast nichts übrig. Die Gitarren schimmern und hallen, die Trommeln klingen dumpf wie aus einem Nebenraum, die Bässe liegen tief und warm. Alles scheint ein wenig zu schweben.

Harris' Stimme steht in der Mitte, aber nicht vorn an der Rampe. Sie ist Teil des Raums, umgeben von Hall, manchmal fast darin verschwindend. Die Kritik hat den Klang später mit Marianne Faithfulls Broken English und Johnny Cashs American Recordings verglichen: Platten, auf denen ältere Künstler sich neu erfanden, indem sie leiser und dunkler wurden.

Folk und Elektronik

Lanois arbeitet mit Schichten. Eine Mandoline, eine Tremolo-Gitarre von Richard Bennett, eine Orgel von Malcolm Burn, ein Synthesizer, der kaum als solcher zu erkennen ist. Dazu Handtrommeln, Tamburin, ein Vibrafon. Es ist die Verbindung, die Harris an Acadie so gefallen hatte: Folk, der sich elektronischer Mittel bedient, ohne kalt zu werden.

Die Stimmen wurden weitgehend live aufgenommen, nicht Silbe für Silbe zusammengesetzt. Harris hat Lanois für diese Haltung gelobt: Er wisse, wann ein Take gut ist, und höre dann auf. Man hört das. Die Stimme wackelt an manchen Stellen ein wenig, und genau das macht sie so nah.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zwölf Lieder von zehn verschiedenen Schreibern – das klingt nach einer Sammlung, nicht nach einem Album. Dass es trotzdem wie aus einem Guss wirkt, liegt an Lanois' Klang und an Harris' Stimme. Beide machen aus einem Dylan-Lied, einer Hendrix-Ballade und einem Walzer aus Texas dieselbe Welt: eine Landschaft aus Sumpf, Staub und Abendlicht.

Die Reihenfolge trägt dazu bei. Nach dem düsteren Anfang mit „Where Will I Be“ und Steve Earles „Goodbye“ kommt mit „All My Tears“ etwas Hoffnung, fast ein Gospel. Das Titelstück in der Mitte der ersten Hälfte ist ein langsamer Tanz. „Deeper Well“, das Harris mitgeschrieben hat, ist das rhythmischste Stück, fast hypnotisch. Danach wird es wieder still: Dylans „Every Grain of Sand“, eines seiner religiösesten Lieder, und Lucinda Williams' „Sweet Old World“, ein Abschied von einem Menschen, der nicht mehr da ist.

Ein Walzer zum Schluss

Gegen Ende öffnet sich die Platte noch einmal. „Orphan Girl“ ist das schlichteste Lied, fast nur Stimme und Gitarre. „Blackhawk“, das zweite Lanois-Stück, ist wieder dunkel und weit. Und dann „Waltz Across Texas Tonight“, ein Walzer, den Harris mit Rodney Crowell geschrieben hat, ihrem Weggefährten aus der Hot Band der Siebziger. Es ist der einzige Moment, in dem die alte Emmylou kurz durchscheint. Ein Gruß zurück, bevor die Platte endet.

Wer das Album am Stück hört, merkt, dass es von Verlust und Suche erzählt, von Menschen, die gehen, und von der Frage, wohin man selbst gehört. Einzelne Lieder daraus sind schön. Zusammen sind sie ein Zustand.

05Warum es einen Abend trägt

Rund dreiundfünfzig Minuten, zwölf Lieder.

Wrecking Ball ist keine Platte, die den Raum füllt, indem sie laut wird. Sie füllt ihn wie Nebel. Man muss nicht wissen, wer Gram Parsons war oder was Americana bedeutet. Es reicht, sich zurückzulehnen und diese Stimme durch den Hall kommen zu lassen. „Every Grain of Sand“ ist sehr still, „Deeper Well“ das rhythmischste Stück.

Der Bogen

Ein Album, das so viel mit Raum und Hall arbeitet, braucht Ruhe. Die tiefen Trommeln und der Bass klingen warm, ohne zu dröhnen. Harris' Stimme kommt aus der Mitte, und die Gitarren schimmern an den Seiten.

Für mich ist der schönste Moment der Übergang zu „Waltz Across Texas Tonight“, dem letzten Titel. Nach dem dunklen „Blackhawk“ plötzlich ein Walzer, fast ein Lächeln. Als ginge nach einer langen Nacht die Tür auf.