Midnight Blue

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Midnight Blue entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Englewood Cliffs, New Jersey, Dienstag, 8. Januar 1963. Im Studio von Rudy Van Gelder arbeitet ein Quintett an einer Platte für Blue Note. Kenny Burrell an der Gitarre, Stanley Turrentine am Tenorsaxofon, Major Holley am Bass, Bill English am Schlagzeug, Ray Barretto an den Congas. Ein Klavier gibt es nicht. Das hat Burrell so gewollt.

Zwischendurch sitzt Burrell einfach da. Dann bittet er Van Gelder, das Mikrofon einzuschalten. Was folgt, hat er vorher nicht geschrieben und nicht geprobt. Er spielt allein, ohne Band, ein langsames Stück von knapp drei Minuten. Es bekommt den Namen „Soul Lament“.

Ein Stück, das es vorher nicht gab

Burrell hat sich Jahrzehnte später noch genau daran erinnert. 2012 erzählte er dem Magazin All About Jazz, er habe das Stück auf der Stelle erfunden. „Das hatte ich noch nie gemacht“, sagte er. Er war damals 31 Jahre alt und hatte schon auf vielen Platten gespielt, als Bandleiter und als Begleiter. Aber eine Improvisation, die direkt so auf ein Album kommt, ganz allein, das war neu für ihn.

Mich berührt an dieser Szene, wie beiläufig sie ist. Kein großer Plan, keine Ankündigung. Ein Musiker hat einen Gedanken, und ein Toningenieur drückt einen Knopf. Dass so ein Moment auf der Platte gelandet ist, sagt viel über diese Session. Hier wurde nicht nach dem perfekten Take gesucht. Hier wurde gespielt.

Auf dem fertigen Album steht „Soul Lament“ an dritter Stelle, zwischen zwei Stücken mit voller Band. Es ist das kürzeste Stück der Platte. Und es ist der einzige Moment, in dem man Burrell ganz für sich hört.

02Wie Midnight Blue entstand

Kenny Burrell kam aus Detroit. 1956 zog er zusammen mit dem Pianisten Tommy Flanagan nach New York, und schon nach wenigen Monaten nahm er sein erstes Album als Bandleiter für Blue Note auf. In den Jahren danach war er überall gefragt: als Begleiter von Sängerinnen und Sängern, im Studio mit Jazzmusikern, von 1957 bis 1959 in der Band von Benny Goodman. 1960 spielte er mit Stanley Turrentine auf einer Session des Organisten Jimmy Smith.

Für Midnight Blue hatte Burrell eine klare Idee. Er schrieb Stücke für ein neues Album und hörte dabei kein Klavier. Später erklärte er, er habe Harmonien gehabt, die er selbst auf der Gitarre spielen wollte. Die reichten ihm. Ein Klavier hätte diesen Platz besetzt.

Musiker, die er kannte

Die Besetzung suchte er nach Erfahrung aus. Mit Stanley Turrentine und mit Ray Barretto hatte er nach eigenen Worten viel zusammengearbeitet. Turrentine bringt einen Tenorsaxofon-Ton mit, der tief im Blues steht. Barretto spielt Conga, und das in einer Jazzband ohne Klavier. Dazu kommen Major Holley am Bass und Bill English am Schlagzeug.

Produziert hat Alfred Lion, aufgenommen hat Rudy Van Gelder. Alles entstand an einem Tag. Neben den sieben Stücken des Albums spielte die Band an diesem Tag noch weitere ein, darunter „Kenny’s Sound“, das erst auf späteren CD-Ausgaben erschien. Die Hülle gestaltete Reid Miles, das Foto machte Francis Wolff, den Begleittext schrieb der Kritiker Leonard Feather. Anfang Mai 1963 kam die Platte heraus.

Fünf der sieben Stücke hat Burrell allein geschrieben. „Mule“ entstand zusammen mit Major Holley. Dazu kommt ein älteres Lied: „Gee, Baby, Ain’t I Good to You“ von Andy Razaf und Don Redman.

03Der Klang

Das Album beginnt mit „Chitlins con Carne“. Schon der Titel mischt Soul Food und Chili con Carne, und so klingt das Stück auch. Barrettos Congas legen einen Latin-Rhythmus unter einen Blues. Burrell spielt das Thema, Turrentine antwortet. Alles bleibt in mittlerem Tempo, nichts drängt.

Das ist überhaupt das Auffällige an dieser Platte: Sie wird nie laut und nie schnell. Der Radiosender NPR hat das in seiner Besprechung gut beschrieben. Die Band spiele mit wenig Lautstärke und in langsameren Tempi. Barretto setzt seine Akzente sparsam, eher Würze als Hauptsache.

Wer wann spielt

Spannend wird das Album durch die wechselnden Besetzungen. Nicht immer sind alle fünf dabei. Bei „Soul Lament“ spielt Burrell allein. Beim Titelstück „Midnight Blue“ fehlt das Saxofon, Gitarre, Bass, Schlagzeug und Congas bleiben. Bei „Gee, Baby, Ain’t I Good to You“ ist es nur noch ein Trio aus Gitarre, Bass und Schlagzeug. Die übrigen vier Stücke spielt das ganze Quintett.

So entsteht ein Wechsel aus voll und leer, aus Gespräch und Selbstgespräch. Wenn Turrentine dabei ist, hat die Musik zwei Stimmen, die einander antworten. Wenn er fehlt, rückt die Gitarre in den Vordergrund. Dann hört man genau, wie Burrell spielt: klar, ohne Hast, mit Tönen, die sitzen.

Über seine Art zu spielen hat Burrell selbst einmal etwas sehr Schlichtes gesagt. „Mein Fokus lag darauf, gute Töne zu spielen“, sagte er 2012 zu All About Jazz. Auf Midnight Blue hört man, was er meinte. Er spielt nicht viele Noten. Er spielt die richtigen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Sieben Stücke, das längste knapp sieben Minuten, das kürzeste keine drei. Fast alles ist Blues, aber nie zweimal derselbe. Einmal mit Latin-Rhythmus, einmal als Ballade, einmal als Solo, einmal als Trio. Das Album hält eine Stimmung, ohne sich zu wiederholen.

Burrell selbst war überrascht, wie sehr die Platte ankam. Er sagte 2012, sie sei im Grunde „ein Album mit viel Blues“, und fügte hinzu: „Es ist nicht kompliziert.“ Gerade darin liegt ihre Stärke. Midnight Blue will niemanden beeindrucken. Es will eine Stimmung halten, und das gelingt über die ganze Länge.

Das Lieblingsalbum des Produzenten

Alfred Lion hat in seinen Jahren bei Blue Note sehr viele Platten produziert. Nach Burrells Erzählung war Midnight Blue sein liebstes Album von allen. Erfahren hat Burrell das von Lions Frau. Sie habe ihm auch den Grund genannt, den Lion angab: „Weil jede Note swingte.“

Auch die Kritik sieht die Platte weit oben. Scott Yanow zählt sie bei AllMusic zu Burrells bekanntesten Aufnahmen für Blue Note. Die Zeitschrift Jazz Improv nahm sie unter seine fünf wichtigsten Alben auf und schrieb: „Wer den Blue-Note-Sound kennenlernen will: hier ist er.“ NPR nahm das Album in seine Grundsammlung des Jazz auf und nannte es eine der großen jazzigen Bluesplatten.

05Warum es einen Abend trägt

Midnight Blue ist mit rund 36 Minuten eines der kürzeren Alben. Für einen Abend heißt das: Die Musik ist schnell vorbei, und sie lässt viel Raum für alles, was danach kommt.

Am Stück gehört, hat die Platte einen ruhigen Bogen. Sie beginnt mit Groove, mit Congas und Saxofon. Dann wird sie leiser. „Soul Lament“ und das Titelstück stehen direkt hintereinander, erst die Gitarre allein, dann ohne Saxofon. „Wavy Gravy“ holt die ganze Band zurück. Mit „Gee, Baby, Ain’t I Good to You“ wird es noch einmal intim, nur drei Musiker.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Saturday Night Blues“, mit gut sechs Minuten eines der längeren Stücke. Alle fünf sind wieder dabei. Der Titel sagt, wohin die Musik geht: in den Samstagabend. Kein großes Finale, eher ein Ausklang, der sich Zeit lässt.

Was die sieben Stücke zusammenhält, ist der Blues und eine Haltung. Niemand drängt sich vor. Niemand spielt mehr als nötig. Man kann zuhören, ohne sich anzustrengen, und bemerkt trotzdem bei jedem Hören etwas Neues.

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