Monk's Dream

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Monk's Dream entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

New York, Ende Oktober 1962. An der East 30th Street steht ein Gebäude, das einmal als Kirche gebaut wurde. Heute nimmt die Plattenfirma Columbia hier auf. Der Raum ist hoch und weit. An diesem Tag kommen vier von ihnen: Thelonious Monk am Klavier, Charlie Rouse am Tenorsaxofon, John Ore am Bass, Frankie Dunlop am Schlagzeug. Im Regieraum sitzt der Produzent Teo Macero.

Eine erste Platte mit alten Stücken

Es ist Monks erste Aufnahme für Columbia, eine der großen amerikanischen Plattenfirmen dieser Zeit. Man könnte erwarten, dass ein Musiker zu so einem Anlass neue Stücke mitbringt. Monk tut das Gegenteil. Das Titelstück und „Bye-Ya“ hatte er schon 1952 im Trio für das Label Prestige aufgenommen. „Bolivar Blues“ ist eine neue Fassung von „Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are“ von Brilliant Corners. Dazu kommen drei Standards aus dem Repertoire, das alle Jazzmusiker kannten.

Nach einer Besprechung im Online-Magazin The Jazz Record ist nur „Bright Mississippi“ ein Stück, das Monk vorher noch nicht auf Platte eingespielt hatte. Alles andere hatte er schon gespielt, manches seit Jahren, manches seit Jahrzehnten.

Mir gefällt an diesem Anfang, wie wenig er sich um den Anlass kümmert. Ein neues Label, ein großes Studio, und Monk spielt, was er kennt. Er spielt es nur mit einer Band, die diese Stücke inzwischen auswendig kann.

02Wie Monk's Dream entstand

Die Jahre davor hatte Monk bei Riverside verbracht, einem kleinen Label aus New York. Dort waren Alben wie Brilliant Corners erschienen, die ihn bekannt machten. Mit der Zeit gab es Streit über Tantiemen. 1962 unterschrieb Monk bei Columbia. Für ihn war das ein Schritt in eine andere Größenordnung: mehr Werbung, mehr Vertrieb, mehr Hörer.

Columbia stellte ihm Teo Macero als Produzenten zur Seite. Macero hatte selbst Saxofon gespielt und produzierte für das Label viele Jazzalben. Der Toningenieur bei den Sitzungen war Frank Laico.

Vier Tage im Herbst 1962

Aufgenommen wurde an vier Tagen zwischen dem 31. Oktober und dem 6. November 1962. Am ersten Tag entstanden „Bye-Ya“ und „Bolivar Blues“. Am 1. November folgten „Bright Mississippi“ und das Solo „Body and Soul“. Am 2. November spielte die Band das Titelstück und „Sweet and Lovely“, Monk allein dazu „Just a Gigolo“. „Five Spot Blues“ kam am 6. November als letztes hinzu.

Die Band war keine Studiobesetzung. Charlie Rouse spielte seit 1959 in Monks Quartett, John Ore und Frankie Dunlop kamen in den Jahren danach dazu. Die vier spielten zu diesem Zeitpunkt schon eine Weile zusammen und kannten das Repertoire. Rouse blieb bis 1970 in Monks Band.

Das Album erschien Anfang 1963. Es wurde die meistverkaufte Langspielplatte, die Monk zu Lebzeiten veröffentlichte. Im Februar 1964 war er auf dem Titelbild des Magazins Time.

Bei Columbia nahm Monk in den folgenden Jahren regelmäßig Studioalben auf, meist mit Charlie Rouse am Saxofon. Bass und Schlagzeug wechselten später. Monk's Dream war der Anfang dieser Reihe. Eine CD-Ausgabe von 1992 enthält vier zusätzliche Aufnahmen aus denselben Sitzungen. Ich gehe hier von der ursprünglichen Platte mit acht Stücken aus.

03Der Klang

Monks Klavier klingt hier so, wie man es von ihm kennt. Er schlägt die Töne an, statt sie fließen zu lassen. Er lässt Lücken, setzt Akkorde, die sich reiben, und kommt dann wieder bei der Melodie an. Neu ist, wie ruhig die Band um ihn herum spielt. Niemand muss sich hier erst zurechtfinden.

Charlie Rouse hat einen trockenen, etwas rauen Ton. Er bleibt in seinen Soli oft nah an Monks Themen und spielt mit ihnen, statt sich weit davon zu entfernen. John Ore am Bass hält den Puls gleichmäßig, Frankie Dunlop spielt locker und setzt kleine Akzente dort, wo Monk Pausen lässt. Der Kritiker Bruce Lindsay schrieb 2020 im Jazz Journal, Bass und Schlagzeug trieben die Stücke „entspannt, aber energisch“ an.

Das Titelstück zeigt den Unterschied gut. Monk hatte es zehn Jahre vorher im Trio aufgenommen, nur mit Bass und Schlagzeug. Jetzt kommt das Saxofon dazu, und das Stück bekommt eine zweite Stimme. Die Melodie bleibt dieselbe, aber sie klingt runder, weniger wie eine Skizze und mehr wie ein fertiges Lied.

Ein bekanntes Gerüst, eine neue Melodie

„Bright Mississippi“ ist das längste Stück des Albums. Es beruht auf den Akkorden von „Sweet Georgia Brown“, einem Schlager aus den Zwanzigern. Monk setzt darauf eine eigene Melodie, die immer wieder an denselben Stellen hängen bleibt. Rouse und Monk spielen hier beide lange Soli. Lindsay hebt genau dieses Stück hervor, weil die beiden sich darin so gut die Bälle zuspielen.

Dazwischen stehen zwei Stücke, in denen Monk ganz allein spielt: „Body and Soul“ und „Just a Gigolo“. Ohne Band hört man deutlicher, wie er einen bekannten Song auseinandernimmt. Er spielt die Melodie, verschiebt sie, lässt einen Ton länger stehen als erwartet und findet dann zurück.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Originalplatte war klar gebaut. Auf der ersten Seite standen das Titelstück, „Body and Soul“, „Bright Mississippi“ und „Five Spot Blues“. Die zweite Seite begann mit „Bolivar Blues“, dann folgten „Just a Gigolo“, „Bye-Ya“ und „Sweet and Lovely“. Auf jeder Seite steht also ein Solo zwischen den Quartettstücken.

Dadurch entsteht ein ruhiger Wechsel. Die Band spielt, dann tritt sie für ein paar Minuten zurück, und man hört Monk allein. Danach kommt sie wieder. Eigene Stücke und Standards wechseln sich ebenfalls ab. Nichts auf dem Album will überraschen. Es klingt eher wie ein Querschnitt durch das Repertoire einer Band, die viel zusammen gespielt hat.

Die Reaktionen

Pete Welding gab dem Album in DownBeat fünf Sterne. Lindsay Planer schrieb später bei AllMusic über die vier Musiker, ihr Zusammenspiel habe eine „fast telepathische“ Qualität. Zurückhaltender ist der Penguin Guide to Jazz, der drei von fünf Sternen vergibt.

Bruce Lindsay nannte das Album im Jazz Journal „vielleicht die beste Wahl, um neue Hörer an Monk heranzuführen“. Das kann ich nachvollziehen. Wer Monk nur als schwierigen, kantigen Pianisten kennt, hört hier, wie zugänglich seine Musik sein kann, ohne dass sie etwas von ihrer Eigenart verliert.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 47 Minuten passt Monk's Dream gut in einen Abend und lässt Raum drumherum. Das Album beginnt mit seinem Titelstück, einer Melodie, die sich um sich selbst dreht und dabei gut gelaunt klingt. Man ist sofort drin. Es braucht keine Vorbereitung.

Danach wechselt das Album zwischen Band und Soloklavier, zwischen eigenen Stücken und alten Liedern. Dieser Wechsel hält es zusammen. Man hört vier Musiker, die sich gut kennen, und dazwischen immer wieder einen von ihnen ganz allein. Die Spannung kommt nicht aus großen Steigerungen, sondern aus kleinen Verschiebungen innerhalb vertrauter Formen.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Sweet and Lovely“, ein Standard aus den frühen Dreißigern. Die Band lässt sich fast acht Minuten Zeit dafür. Rouse und Monk lassen sich Zeit. Es ist kein großer Schluss, eher ein ruhiges Auslaufen. Mir gefällt das, weil es zu einem Album passt, das von Anfang an nichts beweisen will.

Was hört man in einem Stück, das ein Pianist zehn Jahre lang immer wieder gespielt hat?