Siamese Dream

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Siamese Dream entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Butch Vig hatte kurz zuvor Nevermind von Nirvana produziert. Bei Siamese Dream stand er vor einer anderen Aufgabe. Corgan schichtete Gitarre auf Gitarre, bis die Übersicht verloren zu gehen drohte.

Alles lief über analoges Band. Jede Spur musste gespielt, gehört, verworfen oder behalten werden. Das kostete Zeit, und es kostete Nerven.

Die Karte mit den Pfeilen

„Billy war mit den Gitarren ein verrückter Wissenschaftler“, sagte Vig; er habe für dessen Gitarren buchstäblich eine Landkarte des Songs zeichnen müssen, mit lauter Pfeilen. Was wie ein einziger großer Klang wirkt, ist in Wahrheit ein genau geplantes Gefüge. Man kann einzelne Linien darin verfolgen.

02Wie Siamese Dream entstand

Das Debüt Gish war 1991 beim kleinen Label Caroline erschienen und lief besser als erwartet. Nach dem Erfolg von Nevermind wurde die Band als das nächste Nirvana gehandelt. Virgin nahm sie unter Vertrag. Corgan hat beschrieben, wie groß der Druck war: Mit dem nächsten Album habe er die Welt in Brand setzen sollen.

Die Band wählte die Triclops Sound Studios in Marietta, Georgia, auch aus einem praktischen Grund. Schlagzeuger Jimmy Chamberlin hatte damals Drogenprobleme, und fern von Chicago hoffte man, ihn von seinen Kontakten fernzuhalten. Das gelang nur zum Teil. Gleichzeitig ging es Corgan schlecht. Er hatte eine Schreibblockade und litt, wie er später offen sagte, unter Depressionen.

Auch zwischen den anderen Mitgliedern war es schwierig: Bassistin D'arcy Wretzky und Gitarrist James Iha hatten sich kurz zuvor getrennt. Corgan spielte die meisten Gitarren- und Bassspuren selbst ein. Wretzky erklärte das damit, dass er sie schneller und mit weniger Versuchen aufnehmen konnte.

„Today“ war einer der ersten Songs, die Corgan für das Album schrieb. Er spielte Vig ein selbst aufgenommenes Demo vor, und Vig war angetan. Als Leute von Virgin von den Problemen der Band hörten, kamen sie ins Studio. Sie hörten das Demo, waren zufrieden und reisten wieder ab. Für Corgan machte das den Druck nicht kleiner. Der Song handelt von einem Tag, an dem er depressiv war und an Suizid dachte.

Monate ohne Pause

Vig hat die Arbeitslast genau beschrieben. Drei Monate lang arbeitete man zwölf Stunden am Tag, sechs Tage die Woche. In den letzten zwei Monaten dann sieben Tage die Woche, vierzehn oder fünfzehn Stunden am Tag. Das Budget wurde deutlich überschritten. Als Alan Moulder anschließend mischen sollte, buchte er zwei Wochen. Am Ende brauchte er sechsunddreißig Tage.

Corgan arbeitete mit großer Genauigkeit. Manchmal saßen er und Vig zwei Tage an einem Abschnitt von fünfundvierzig Sekunden. Viele Parts von Iha und Wretzky spielte er nachträglich selbst neu ein. Chamberlin spielte alle Schlagzeugspuren, verschwand aber zwischendurch für Tage. Nach einer solchen Abwesenheit ließ Corgan ihn den Part von „Cherub Rock“ so lange wiederholen, bis seine Hände bluteten. Danach drängte er ihn zu einem Entzug.

Dass Moulder mischte und nicht Vig, hatte einen einfachen Grund: Corgan und Vig waren nach den Aufnahmen zu erschöpft. Das Mastering übernahm Howie Weinberg. Im Magazin Spin äußerte sich Corgan später bitter über seine Mitmusiker: „Ich habe ihnen anderthalb Jahre gegeben, um sich auf diese Platte vorzubereiten.“ Dem Druck des Labels, beim Klang Abstriche zu machen, gab die Band nicht nach.

03Der Klang

Corgan wollte Tiefe erzeugen, ohne sich auf Hall und Delay zu verlassen, und stattdessen mit Klangfarben arbeiten. Vig hat erzählt, man habe dafür eine Geheimwaffe gefunden: einen kleinen Vorverstärker aus einer Steel-Gitarre, dessen schmaler, surrender Klang auf vielen Soli zu hören ist. Dazu kamen Bandflanger-Effekte, etwa bei „Cherub Rock“. Mit so vielen Spuren wurde das Mischen zur eigentlichen Kunst. „Man kann nicht 40 Gitarren haben, die alle das volle Frequenzband belegen. Jede braucht ihren Platz“, sagte Vig.

Zwischen den lauten Stücken stehen leise: „Disarm“ mit Streichern von Eric Remschneider und David Ragsdale, „Spaceboy“ mit Mellotron, „Soma“ mit einer Klavierfigur von Mike Mills von R.E.M.

In „Soma“ liegen bis zu vierzig Gitarrenspuren übereinander. Vig hat gesagt, in einzelnen Songs seien es bis zu hundert gewesen, zusammengedrückt in ein einziges Stück. Remschneider am Cello und Ragsdale an der Geige spielen auch im letzten Song „Luna“. Das Mellotron in „Spaceboy“ spielte Corgan selbst. So reicht das Album vom Lärm bis zu fast kammermusikalischen Momenten. Der Kritiker Robert Christgau sah die Stärke der Platte vor allem im Klang.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Siamese Dream lebt vom Wechsel. Auf das stampfende „Cherub Rock“ folgt das dichte „Quiet“, dann „Today“, eine helle Melodie über einem dunklen Thema. Corgan hat über diesen Song gesagt, er sei an einer Weggabelung gestanden: den Song wegwerfen oder akzeptieren, wer er sei, nämlich ein eher kitschiger Junge aus Chicago. Er behielt ihn. „Spaceboy“ schrieb er für seinen jüngeren Bruder Jesse, „Soma“ vergleicht eine Liebe mit einem Mittel, das langsam einschläfert.

„Cherub Rock“ eröffnet das Album mit einem Angriff auf die amerikanische Musikindustrie. Die meisten anderen Texte richten sich an Chris Fabian, Corgans damalige Freundin und spätere Frau, von der er sich während des Schreibens kurz getrennt hatte. „Mayonaise“ und „Soma“ schrieb Corgan zusammen mit James Iha, alle anderen Songs allein.

Laut und leise

Das Album kam in den USA auf Platz 10 und in Großbritannien auf Platz 4. In den USA wurde es vierfach mit Platin ausgezeichnet, weltweit verkaufte es sich über sechs Millionen Mal. Es erhielt zwei Grammy-Nominierungen. David Browne schrieb in Entertainment Weekly, die Band habe nach mehr gestrebt als nach einer weiteren Alternative-Gitarrenplatte, und nannte sie „Slacker mit einer Vision“.

Die erste Single „Cherub Rock“ erschien im Juni 1993. Das Album folgte am 19. Juli in Großbritannien und am 27. Juli in den USA. Danach kamen „Today“, „Disarm“ und „Rocket“ als Singles heraus. Zum dreißigsten Jubiläum erschien 2023 auch „Mayonaise“ als Single. Schon 2011 gab es eine erweiterte Neuausgabe, neu gemastert von Bob Ludwig, mit Demos, Rohmischungen und einem Konzertmitschnitt aus dem Club Metro vom 14. August 1993.

Das Ansehen des Albums ist mit den Jahren eher gewachsen. Greg Kot schrieb in der Chicago Tribune, es sei für einen großen Teil von Corgans Generation zum Soundtrack geworden. Pitchfork gab der Neuausgabe 2011 die volle Punktzahl. Der Rolling Stone führt es in seiner Liste der 500 besten Alben, 2020 auf Platz 341. Das deutsche Magazin Visions setzte es 2005 auf Platz 47 seiner „150 Alben für die Ewigkeit“.

05Warum es einen Abend trägt

Die Original-LP verteilte die zweiundsechzig Minuten auf vier Seiten. Seite A mit vier Songs endet mit dem fast siebenminütigen „Hummer“, das sich langsam öffnet. Die zweite Seite führt von „Rocket“ über „Disarm“ bis zu „Soma“, das still beginnt und dann aufbricht. Am Stück gehört, ist die alte Seiteneinteilung noch zu spüren: dreimal ein kurzes Durchatmen.

Das lange Ende

Die letzte Seite beginnt mit „Silverfuck“, dem mit fast neun Minuten längsten Stück, das in der Mitte fast ganz zur Ruhe kommt, bevor es wieder losbricht. Danach wird es leise. „Sweet Sweet“ dauert kaum zwei Minuten, „Luna“ schließt das Album sanft, fast wie ein Wiegenlied. Nach so viel Lautstärke wirkt diese Stille umso stärker.

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