Soul Station

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Soul Station entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Anfang 1960 war das Tenorsaxofon das wichtigste Instrument im Jazz, und die Namen, über die man sprach, waren andere. John Coltrane hatte gerade Giant Steps aufgenommen, eine Platte voller schneller Akkordwechsel, die viele Kollegen als Prüfung verstanden. Sonny Rollins hatte sich im Sommer 1959 aus der Öffentlichkeit zurückgezogen, um zu üben. Wer damals Tenor spielte, wurde an diesen beiden gemessen.

Hank Mobley spielte anders. Er war kein Mann der Lautstärke und keiner der Rekorde. Der Kritiker Leonard Feather nannte ihn den „Mittelgewichtsmeister des Tenorsaxofons“: nicht so hart wie Coltrane, nicht so weich wie die Saxofonisten der Swing-Zeit. Das war als Lob gemeint, wurde aber oft wie eine Einschränkung gelesen.

Dabei war Mobley alles andere als ein Unbekannter. Bis 1958 hatte er neun Alben unter eigenem Namen für Blue Note aufgenommen und vier für andere Labels, dazu kamen viele Sessions als Begleiter. Auf den meisten dieser Platten standen mehrere Bläser im Studio. Mobley war einer von ihnen, selten der Einzige. Er war der Mann, den man anrief, wenn man einen verlässlichen Tenor brauchte.

Allein vorn

Am 7. Februar 1960 kam Mobley in das Studio von Rudy Van Gelder in Englewood Cliffs, New Jersey. Es war ein Sonntag. Hinter ihm saßen Wynton Kelly am Klavier, Paul Chambers am Bass und Art Blakey am Schlagzeug. Ein Trompeter war nicht bestellt. Seit seinem ersten eigenen Album von 1955 hatte Mobley keine Platte mehr als einziger Bläser gemacht.

Das ist der besondere Moment dieser Aufnahme. Ohne zweites Horn gibt es niemanden, der die Melodie mitträgt, niemanden, der ein Solo übernimmt, wenn einem nichts mehr einfällt. Mobley hat das nicht gestört. Er spielt die sechs Stücke so, als hätte er auf genau diese Lage gewartet.

02Wie Soul Station entstand

Mobley kam aus einer Band, die er gut kannte. Mit Art Blakey und Horace Silver hatte er 1954 die ersten Jazz Messengers gebildet, eine der Gruppen, aus denen der Hard Bop hervorging. 1959 war er für einige Monate zu Blakey zurückgekehrt. Beim Newport Jazz Festival im Sommer stieg er aus, für ihn kam Wayne Shorter.

Für Soul Station holte er Blakey trotzdem dazu, diesmal als Begleiter in seiner eigenen Band. Wynton Kelly und Paul Chambers spielten zu dieser Zeit bei Miles Davis. Chambers war seit Mitte der Fünfzigerjahre dessen Bassist, Kelly hatte auf Kind of Blue ein Stück begleitet. Zusammen waren die drei eine Rhythmusgruppe, wie es sie in New York nicht oft gab.

Alfred Lion und Rudy Van Gelder

Produziert hat Alfred Lion, der Gründer von Blue Note. Bei Blue Note wurde vor einer Aufnahme geprobt, damit im Studio keine Zeit verloren ging. Lion achtete im Studio auf die Tempi und ließ Stücke wiederholen, bis er zufrieden war. Rudy Van Gelder, der fast alle Blue-Note-Platten dieser Jahre aufnahm, saß am Mischpult.

Das Programm ist einfach gebaut. Am Anfang und am Ende steht je ein bekanntes Lied, dazwischen kommen vier Stücke von Mobley selbst. Das erste Lied, „Remember“, hatte Irving Berlin geschrieben. Das letzte, „If I Should Lose You“, stammt von Ralph Rainger und Leo Robin. Die eigenen Stücke heißen „This I Dig of You“, „Dig Dis“, „Split Feelin’s“ und „Soul Station“.

03Der Klang

Mobley selbst hat seinen Ton später so beschrieben: nicht groß, nicht klein, sondern rund. Das sagte er 1973 im Gespräch mit John Litweiler für DownBeat. Besser kann man diese Platte kaum zusammenfassen. Das Saxofon klingt warm und voll, es drängt nicht, und es schreit nie.

Im selben Gespräch erzählte er von einem Rat seines Onkels: Wenn neben dir jemand laut spielt, spiel leise. Wenn jemand schnell spielt, spiel langsam. Auf Soul Station kann man hören, was er daraus gemacht hat. Blakey ist ein Schlagzeuger, der gern antreibt und mit Wirbeln dazwischenfährt. Mobley lässt sich davon nicht treiben. Er bleibt bei seinem Tempo, und gerade dadurch entsteht Spannung.

Drei Männer, die zuhören

Wynton Kelly spielt Klavier mit viel Blues und einem leichten Anschlag. Er legt Akkorde unter das Saxofon, ohne es zu bedrängen, und in seinen Soli federt jede Phrase. Paul Chambers hält mit dem Bass alles zusammen, gleichmäßig und genau. Man bemerkt ihn erst, wenn man auf ihn achtet, und dann hört man ihn überall.

Die Aufnahme ist typisch für Van Gelder: nah, trocken, jedes Instrument deutlich zu orten. Das Saxofon steht vorn, das Schlagzeug dahinter, und es gibt keinen Hall, der etwas verdeckt.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Soul Station ist keine Konzeptplatte. Es gibt keine Geschichte und kein Thema, das sich durch alle Stücke zieht. Was sie zusammenhält, sind die Musiker und die Reihenfolge. Die beiden Lieder rahmen die Platte ein, die eigenen Stücke stehen in der Mitte wie in einem Haus mit zwei Türen.

„Remember“ ist ein freundlicher Anfang. Mobley spielt Berlins Melodie hell und weich, so, wie man ein Lied spielt, das man mag. Danach werden die Stücke dichter. „This I Dig of You“ springt, „Dig Dis“ ist ein Blues, den Kelly am Klavier in Gang bringt. „Split Feelin’s“ ist mit knapp fünf Minuten das kürzeste Stück.

Das Titelstück

Mit gut neun Minuten ist „Soul Station“ das längste Stück der Platte, ein Blues. Mobley spielt zuerst und lässt dann der Band Raum. Niemand hat es eilig. Hier hört man am deutlichsten, was der Titel meint: keine Show, sondern ein Ort, an dem man ankommt.

Die Kritik war sich früh einig. Pete Welding schrieb in DownBeat von einer „ausgewogenen und geschmackvollen Blowing-Session“ und lobte drei der besten Rhythmusmusiker der Branche. Viel später stellte Bob Blumenthal die Platte neben Saxophone Colossus von Rollins und Coltranes Giant Steps. Bei AllMusic nannte Stacia Proefrock Mobley „einen der meistunterschätzten Musiker der Bebop-Ära“.

05Warum es einen Abend trägt

Sechs Stücke, rund 37 Minuten. Soul Station ist eines der kürzeren Alben im Regal. Es lässt sich ohne Anstrengung am Stück hören, und gerade das gehört zu seinem Charakter: Es verlangt nichts und gibt viel.

Der Bogen ist schlicht. Ein bekanntes Lied öffnet die Tür, dann vier eigene Stücke, die nach und nach tiefer in den Blues führen. Das Titelstück ist das längste und das ruhigste, danach braucht die Platte nur noch einen Abschluss.

Der letzte Titel

Den macht „If I Should Lose You“, ein Lied aus einem Film von 1936. Charlie Parker hatte es zehn Jahre vorher mit Streichern aufgenommen. Mobley braucht keine Streicher, nur seine drei Begleiter. Die Platte endet nicht mit einem großen Schluss, sondern so, wie sie angefangen hat: mit einem Lied, das jemand gern spielt.

Was am Ende bleibt, ist der Ton. Nach 37 Minuten kennt man diese Stimme, rund, warm, ohne Lärm. Man hat das Gefühl, einem Musiker zugehört zu haben, der niemandem etwas beweisen musste.

Woran merkt man, dass jemand nichts beweisen will?