Hoodoo Man Blues

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Hoodoo Man Blues entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Chicago, 22. und 23. September 1965, die Sound Studios. Vier Musiker stehen im Raum: Junior Wells mit Mundharmonika und Mikrofon, Buddy Guy an der Gitarre, Jack Myers am Bass, Billy Warren am Schlagzeug. Hinter der Scheibe sitzen der Toningenieur Stu Black und Bob Koester, dem das Label gehört. Für die ganze Platte haben sie zwei Tage. Gespielt wird zusammen, so wie in den Clubs.

Irgendwann macht Guys Verstärker nicht mehr mit. Im Studio steht aber eine Hammondorgel mit Leslie-Lautsprecher, einem Kasten, in dem sich ein Trichter dreht und den Ton dadurch leicht schwanken lässt. Guy steckt seine Gitarre stattdessen dort ein. Die Aufnahme geht weiter.

Ein Ton, der nicht still steht

So kommt auf eine Bluesplatte von 1965 ein Gitarrenklang, der weich wabert und in Wellen kommt. Er ist aus der Not geboren, nicht geplant. Auf welchen Stücken genau die Gitarre über die Orgel läuft, wird in den Quellen nicht einheitlich angegeben. Genannt wird vor allem der Titelsong.

Koester selbst hat sich später darüber gewundert, dass kaum jemand es bemerkte. Er schrieb, ihn habe immer erstaunt, „wie selten Kritiker die Stücke mit Gitarre über Orgel erwähnten“. Vielleicht liegt es daran, dass der Klang so selbstverständlich zur Band passt. Man hört ihn, aber man hält ihn für Absicht.

Die Szene sagt viel über die ganze Platte. Niemand hat hier an einem perfekten Klang gefeilt. Eine eingespielte Band hat einfach weitergespielt, mit dem, was da war.

02Wie Hoodoo Man Blues entstand

Junior Wells war 1965 dreißig Jahre alt und in Chicago längst bekannt. Er hatte als junger Mann in der Band von Muddy Waters gespielt und Anfang der Sechziger Singles für kleine Labels aufgenommen, darunter „Messin’ with the Kid“. Ein ganzes Album hatte er noch nicht gemacht. Mit Buddy Guy spielte er damals regelmäßig im Theresa’s, einem Club auf der South Side, von Freitag bis Montag.

Bob Koester hatte sein Label Delmark 1953 in St. Louis gegründet und betrieb in Chicago den Jazz Record Mart, einen Plattenladen für Jazz und Blues. Er war sich nicht sicher, ob es für eine solche Platte genug Käufer gab, und Studiozeit kostete Geld. Er machte es trotzdem, weil ihm die Musik zu gut gefiel.

Weniger Leute, mehr Geld

Die Besetzung war knapp. Als Guy fragte, warum kein Pianist dabei sei, soll Wells geantwortet haben: „Weniger Leute, mehr Geld. Bist du dabei?“ So erzählt es Guy in seiner Autobiografie When I Left Home. Er war dabei.

Koester ließ Wells freie Hand. Auf die Platte kamen eigene Stücke von Wells, alte Blues ohne bekannten Autor, „Hound Dog“ aus dem Repertoire von Big Mama Thornton und „Chitlin Con Carne“ des Jazzgitarristen Kenny Burrell. Nach Angaben zum Album dauerten die Sessions insgesamt etwa sieben Stunden.

Den Titelsong hätte Wells beinahe weggelassen. Er hatte ihn Jahre zuvor schon einmal als Single aufgenommen. Der Chicago Tribune erzählte er 1993, Leute beim Radio hätten die Platte damals auf den Boden geworfen und darauf herumgetrampelt. Koester redete ihm zu, das Stück noch einmal zu spielen.

Im November 1965 erschien die Platte bei Delmark. Für Wells war es das erste Album unter eigenem Namen. Für Guy, der bei Chess fast nur hinter anderen spielte, war es eine seltene Gelegenheit, eine ganze Platte lang neben einem Sänger zu stehen, den er gut kannte.

03Der Klang

Mundharmonika, Gitarre, Bass, Schlagzeug, dazu eine Stimme. Mehr ist auf dieser Platte nicht. Wells’ Mundharmonika steht vorn, rau und direkt. Seine Stimme ist hell und drängend, oft näher am Soul als am Blues vom Land.

Buddy Guy spielt hier anders als auf seinen späteren Platten. Er spielt zurückhaltend, oft rhythmisch, mit kurzen Läufen zwischen den Zeilen. Er begleitet einen Sänger, statt selbst im Vordergrund zu stehen. Wo er ein Solo bekommt, ist es knapp und genau.

Ein Abend in einem Club

Bass und Schlagzeug halten alles zusammen, ohne aufzufallen. Jack Myers hatte schon 1960 auf „Messin’ with the Kid“ gespielt, er kannte Wells lange. Billy Warren am Schlagzeug hält sich zurück.

Der Kritiker Bill Dahl schrieb bei AllMusic, die Platte sei eine der ersten, die die verrauchte Stimmung eines Abends in einem Club im Westen Chicagos mit Studioklang einfange. Genau das hört man. Es klingt nach einem kleinen Raum und nach einer Band, die sich kennt. Aber jedes Instrument ist klar zu verstehen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zwölf Stücke, keines länger als fünf Minuten. Die Platte wechselt zwischen schnellen und langsamen Nummern, ohne dass es nach Plan klingt. Auf einen straffen Groove folgt ein langsamer Blues, auf ein altes Traditional ein Stück von Wells selbst. Zusammengehalten wird das von der Besetzung. Es sind immer dieselben vier Musiker, im selben Raum, an zwei Tagen.

Chicago-Blues erschien bis dahin vor allem auf Singles. Auch Wells hatte bis dahin nur Singles gemacht. Hier ist das Album von Anfang an als Ganzes aufgenommen: eine Band an zwei Tagen, keine Sammlung von Hits.

Die Platte, die Türen öffnete

Für Delmark wurde Hoodoo Man Blues zur meistverkauften Platte des Labels. Das Buch Little Labels – Big Sound nennt sie „offen unkommerziell“, und trotzdem zeigte sie, dass sich Chicago-Blues auf Langspielplatte verkaufen ließ. Für Wells öffnete sie die Türen zu größeren Studios. 1984 kam das Album in die Blues Hall of Fame, 2008 in die Grammy Hall of Fame.

Auch für Buddy Guy blieb die Platte ein Maßstab. In seiner Autobiografie schreibt er über die Zusammenarbeit mit Wells: „Nichts war so gut wie Hoodoo Man Blues.“

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 40 Minuten ist das Album kurz. Die Platte beginnt mit „Snatch It Back and Hold It“, knapp drei Minuten, ein Groove, der eher nach Soul klingt als nach Delta. Damit ist der Ton gesetzt: Hier spielt eine Band aus der Stadt, nicht vom Land. Danach wird es langsamer. „Ships on the Ocean“ und „In the Wee Hours“ lassen dem Blues Zeit.

So wechselt es über die ganze Länge. Auf ein schnelles Stück folgt ein langsames, auf die Mundharmonika ein Gitarrensolo. Einen großen Höhepunkt gibt es nicht, eher eine gleichmäßige Spannung, wie in einem Set, das gut läuft. Man merkt, wie die vier aufeinander hören.

Zum Schluss Yonder Wall

Am Ende steht „Yonder Wall“, ein alter Blues, über vier Minuten lang. Die Band spielt ihn locker und ohne Eile, so wie man ein Set beendet, wenn der Abend gut war. Danach ist Schluss, ohne Zugabe.

Hätten Sie gemerkt, dass die Gitarre durch eine Orgel läuft?